LEAD | l'École nationale de ballet du Canada

Sid Ryan Eilers (iel) est chorégraphe, interprète et assure la direction artistique d’EILERS Dance Theatre, une compagnie interdisciplinaire qui crée des œuvres de danse contemporaine, de théâtre et de performance centrées sur les voix queer et trans.

Depuis plus de 25 ans, Eilers travaille au Canada, en Europe et à New York et a créé plus de 18 œuvres originales présentées dans des théâtres, des festivals et des contextes in situ. Sa pratique conjugue le mouvement, le texte, la voix et des approches somatiques de la performance.

Eilers a effectué des résidences au Centre des arts de Banff, dans le cadre de FLIGHT — une initiative de Côté Danse et du Crow’s Theatre — ainsi qu’au programme Open Space du Ballet national du Canada. Eilers a aussi participé au COLOURS International Dance Festival à Stuttgart. Sa pratique est nourrie par un apprentissage continu auprès de Dreamwalker Dance Company dans le cadre de la Conscious Bodies Practice et par des collaborations avec des artistes comme Andrea Nann et Peggy Baker.

Parmi les projets en cours figurent Fancy Cat, dont la première sera présentée dans le cadre du programme Artists in the Libraries de la Bibliothèque publique de Toronto et du Toronto Arts Council avant une tournée au Niagara Children’s Festival et à OutFest Halifax en 2027 ; Boy Q, en résidence à RedSapata, à Linz, en Autriche ; et Dangerous Vacancies, dont la première aura lieu à l’Oakville Centre for the Performing Arts et à Citadel LIVE en 2027.

Eilers fait partie du personnel artistique de l’École nationale de ballet du Canada, où iel enseigne la danse contemporaine et le processus de création selon une approche incarnée qui met l’accent sur la démarche.

La technique vivante : corps, voix, territoire

La technique vivante est une méthode d’entraînement en danse contemporaine conçue pour préparer les danseur·euse·s au travail chorégraphique de Sid Ryan Eilers, qui fait appel aux dimensions spirituelle, émotionnelle, physique et intellectuelle de la personne. Elle repose sur la conviction que la technique est indissociable de l’expression et que le corps porte à la fois mémoire et imagination.

Le cours commence par des exercices d’activation issus de la Conscious Bodies Practice de Dreamwalker Dance. Axés sur le travail vocal et la reconnaissance du territoire, ils invitent les danseur·euse·s à entrer en relation avec le lieu, le son et la présence. L’improvisation intervient dès le début pour créer un lien avec leurs propres impulsions et leur conscience individuelle. Vient ensuite un échauffement somatique axé sur la santé articulaire, qui favorise la longévité de la pratique, l’alignement et une écoute intérieure profonde.

Le mouvement se déploie à travers de vastes transferts de poids et un enchaînement au sol en position assise, qui éveillent la colonne vertébrale comme principale source d’articulation. Cette conscience se prolonge dans les pliés, le travail au sol, les mouvements articulés des jambes et les traversées, puis dans les tours, les sauts et une phrase sautée finale.

Tout au long du cours, les danseur·euse·s sont amené·e·s à renforcer leur centre, à mobiliser leur colonne vertébrale et à affiner leur coordination, tout en restant en lien avec leur propre langage gestuel. La pratique oscille entre clarté et subtilité et invite à prêter attention aux sensations internes et aux nuances énergétiques. Un principe récurrent, appelé « glistening », met l’accent sur le corps comme champ réactif, où même les plus infimes changements sont porteurs de présence.

Cette pratique accueille l’expérience queer à la fois comme identité et comme perspective. Elle affirme la différence, la complexité et toute l’étendue de l’expression humaine. L’objectif est de préparer les danseur·euse·s à entrer en création avec une disponibilité physique, une vision artistique claire et un solide ancrage personnel.

Petra Liyahn est une danseuse, actrice, chanteuse et artiste burlesque barbado-canadienne. Elle incarne l’expression artistique dans toute sa force. Au-delà de sa présence scénique, elle défend l’affirmation de soi par le corps dans son travail de professeure de mouvement. Par la danse, elle favorise la guérison et encourage chaque personne à affirmer son authenticité, un pas assuré à la fois. Elle est membre de la troupe Les Femmes Fatales, l’une des principales troupes burlesques canadiennes composées de femmes racisées. Petra a fait ses débuts au Burlesque Hall of Fame en 2026 et a reçu le prix « Bombshell » lors de la toute première édition du Melbourne Festival of Tease.

Indomptable, assumée, inoubliable. Votre reine des Caraïbes.

Séduction en rythme — quand la musicalité rencontre l’instinct.

Affinez votre intuition par le mouvement en laissant la musique guider votre corps. L’atelier mêle slow burn, bump & wine et exploration de la musicalité.

Miss Lu danse depuis l’âge de trois ans et n’a jamais cessé d’aimer cet art. Formée professionnellement au ballet, à la danse classique chinoise et aux danses ethniques chinoises, au jazz, à la danse moderne et contemporaine, au hip-hop et aux danses latines, elle se produit et crée des chorégraphies depuis plus de 15 ans. Ses créations ont été présentées dans les médias, sur scène et au théâtre. Directrice artistique de Norman Dance Company, elle transmet sa passion pour la danse ainsi que sa connaissance de la culture et des arts chinois à des élèves de tous âges. Diplômée du programme Performance Production de l’Université Ryerson, Tia travaille aussi à son compte en régie de production et en conception de costumes, ce qui enrichit sa pratique artistique.

La danse traditionnelle chinoise

Découvrez la beauté et l’élégance de la danse traditionnelle chinoise dans cet atelier immersif pour tous les niveaux. Les participant·e·s exploreront la grâce du mouvement, la narration expressive et les racines culturelles de cet art classique. Des exercices guidés porteront sur la posture, la coordination, la fluidité et le rythme, tout en présentant l’histoire et les traditions chinoises. Que vous découvriez la danse ou souhaitiez approfondir votre démarche artistique et culturelle, cet atelier offre un espace accueillant pour bouger, apprendre et créer des liens.

Naomi est Mohawk, originaire du territoire de Six Nations of the Grand River, dans le sud de l’Ontario. La danse et la culture ont toujours occupé une place importante dans sa vie. Elle pratique la danse du châle d’apparat, un style très populaire dans les pow-wow des Premières Nations. Elle s’est jointe à sa première compagnie professionnelle de danse autochtone en 1996 et a participé à des tournées au Canada, aux États-Unis, en Allemagne, en Italie, en Norvège, en Autriche, en Corée et en Chine. Elle a remporté le World Smoke Dance Championship en 2006 et 2007 au Schemitzun Festival of Green Corn, au Connecticut. En 2009, elle a fondé Tribal Vision Dance avec son mari. Depuis, le couple poursuit ses tournées. Elle est désormais professeure de danse autochtone au programme Commercial Dance du Collège Centennial.

Danse du châle d’apparat

Les participant·e·s découvriront la beauté, la grâce et la force de la danse du châle d’apparat. Cette danse compte sans doute parmi les disciplines où la compétition est la plus vive sur le circuit des pow-wow. Les danseur·euse·s en apprendront la technique de base ainsi que l’histoire.

Surnommée « The Black Widow of Burlesque », Ravyn Wngz est une artiste pluridisciplinaire afro-autochtone, 2Spirit, queer et transcendante. Elle est également commissaire et conteuse de récits d’autonomisation. Son travail s’ancre dans l’abolition et s’exprime par le théâtre gestuel, l’éducation politique, la recherche culturelle, les services-conseils en matière d’équité, de diversité et d’inclusion, ainsi que par diverses pratiques liées à la justice pour les personnes handicapées. Autrice canadienne d’un ouvrage à succès, Until We Are Free, elle a reçu le Mid-Career Artist Award du Stratford Festival en 2021, a été nommée parmi les Top 25 Women of Influence in Canada en 2021 et a été mise en nomination au prix Nobel de la paix en 2021 aux côtés de Black Lives Matter. Ravyn a donné de nombreuses conférences sur l’abolition, l’art et l’activisme, l’accessibilité, l’inclusion des personnes LGBT, le leadership, les politiques publiques et les politiques guidées par une approche fondée sur le territoire, auprès d’organismes et d’établissements comme Deloitte Canada, le département d’anthropologie de l’University of Virginia, l’UCLA School of Architecture and Urban Design, l’Université McMaster, la Faculté de droit de l’Université de Toronto, le Toronto District School Board, le Toronto Catholic District School Board et l’École nationale de ballet du Canada.

Racine de lotus

Découvrez Racine de lotus, une séance d’improvisation chorégraphique animée par Ravyn Wngz. Inspiré par nos liens avec le territoire, la nature et les éléments, cet atelier vise à explorer différentes façons d’accéder à votre propre vocabulaire gestuel.

Irma Villafuerte est une artiste en danse, chorégraphe et éducatrice établie à Tkaronto. Fille de personnes réfugiées originaires du territoire Nawat de Kuskatan (El Salvador), elle est de la première génération de sa famille au Canada. Nommée aux prix Dora, elle aborde dans son travail la migration, la mémoire historique et l’identité salvadorienne, en s’inspirant d’histoires matrilinéaires et des géographies émotionnelles du déplacement.

Elle a été finaliste de l'Emerging Artist Award de la Toronto Arts Foundation en 2021. Villafuerte est cofondatrice du CinnaMoon Collective, lui aussi nommé aux prix Dora, et directrice du programme Animikiig Creators Unit de Native Earth Performing Arts, où elle accompagne la relève artistique autochtone. Elle s’est produite partout dans les Amériques, notamment à Fall for Dance North, à la Bienal de La Habana et à CounterPulse, à San Francisco, et a collaboré avec des artistes et des organismes tels que Kaha:wi Dance Theatre, Victoria Mata, Sharon B. Moore, Karen Kaeja et Alejandro Ronceria.

Sa voix chorégraphique s’est affirmée au fil de résidences à Dancemakers, au Toronto Dance Theatre et à Aluna Theatre. Parmi ses œuvres récentes figurent Xilopango et le film de danse Siwat Piedra, qui retracent des paysages émotionnels et ancestraux façonnés par le déplacement, la résistance et la persistance de la mémoire.

Danse contemporaine 

Ce cours de danse contemporaine invite les danseur·euse·s à explorer physiquement les éléments, le territoire, la mémoire et l’imagerie incarnée. Par l’improvisation guidée, la recherche gestuelle et des phrases chorégraphiques, les participant·e·s examineront la façon dont les sensations, les impulsions et le récit personnel peuvent façonner le mouvement. Les participant·e·s exploreront ensuite leur rapport au travail au sol, à l’espace, au rythme et aux changements de dynamique au moyen d’exercices structurés et d’enchaînements en déplacement. Les danseur·euse·s apprendront une chorégraphie mêlant des séquences imposées à l’instinct, au désir et à l’interprétation personnelle, afin de favoriser à la fois la rigueur technique et l’autonomie créative dans leur pratique.

Carolin Mateus est une danseuse, chorégraphe, éducatrice et directrice de création d’origine colombienne établie au Canada. Forte de plus de 15 ans d’expérience professionnelle dans le milieu de la danse, elle a bâti une carrière internationale reconnue pour sa polyvalence artistique, son leadership, ses connaissances culturelles et son impact communautaire.

Spécialisée dans les danses de rue et afro-diasporiques, Carolin a suivi une formation approfondie en hip-hop, en house, en dancehall, en waacking, en krump, en locking, en popping et en danses latines. Elle s’est aussi formée aux bases techniques des danses urbaines. Son travail allie formation technique, musicalité, narration et transmission culturelle, ce qui lui permet de créer des expériences artistiques marquantes, tant sur scène que dans les milieux éducatifs.
Carolin est titulaire d’un baccalauréat en éducation artistique, avec une spécialisation en danse et en littérature, obtenu à l’Universidad Distrital Francisco José de Caldas, à Bogotá, en Colombie. Elle a poursuivi des études supérieures et obtenu une maîtrise en danse-thérapie pour enfants ayant des capacités particulières, ce qui a renforcé son approche multidisciplinaire du mouvement, de l’éducation et du développement humain.

Au cours de sa carrière, Carolin a travaillé à l’échelle internationale comme danseuse, chorégraphe, directrice, professeure et membre de jurys, en Colombie et au Canada. Son travail artistique et pédagogique l’a amenée à collaborer avec des compagnies professionnelles, des festivals, des organismes gouvernementaux, des programmes de danse de compétition, des organismes culturels et des initiatives communautaires.

De 2015 à 2018, Carolin a travaillé avec IDARTES, l’organisme public chargé des arts à Bogotá. Elle y a utilisé la danse comme outil d’autonomisation, d’expression émotionnelle et de construction identitaire auprès de jeunes et d’enfants en situation de vulnérabilité touchés par la violence, le déplacement, les mauvais traitements, le racisme et les inégalités sociales. Dans ce cadre, elle a créé des espaces artistiques sécuritaires où le mouvement est devenu un moyen d’expression favorisant la guérison, la réflexion et la transformation.

En 2016, elle a mené une recherche universitaire et artistique sur la culture hip-hop comme vecteur de construction identitaire, de transmission de valeurs et de développement personnel au sein de communautés marginalisées. Cette recherche a établi des liens entre la culture de la danse et des études sociales et philosophiques inspirées du discours I Have a Dream de Martin Luther King Jr. et des principes du hip-hop. Carolin a également contribué, en collaboration avec IDARTES, à la publication en 2017 de l'ouvrage pédagogique Educational Tools for Dance, ce qui a renforcé son engagement envers l'enseignement de la danse et une éducation artistique accessible. Fondatrice et directrice de création de Toronto Reggaeton, Carolin a développé à Toronto une plateforme de danse urbaine latino-américaine en plein essor, centrée sur la transmission authentique du mouvement, la création scénique et la représentation culturelle par le reggaeton et les bases des danses de rue.

Son expérience professionnelle comprend des collaborations et des prestations avec des organismes et des établissements comme Halifax Pride, House of Eights, Run The Flex, City Dance Corps, l’Université Dalhousie, Halifax Dance Center, Thunderbirds Dance Team, Academy Soulbeat Danza Urbana et Teatro R101, ainsi qu’IDARTES et de nombreux studios de danse et festivals partout au Canada et en Colombie.

Atelier de reggaeton

Bien plus qu’un simple style de danse, le reggaeton est un mouvement culturel ancré dans le rythme, la résilience, l’identité et l’expression de soi. Cet atelier invite les danseur·euse·s de tous horizons et niveaux à explorer les bases, l’énergie et l’évolution du reggaeton par le mouvement, la musicalité et le lien avec ses racines culturelles.

Animé par Carolin Mateus, chorégraphe et éducatrice au parcours international, cet atelier propose un cours énergique axé sur le groove, la confiance, la qualité scénique, la conscience corporelle et l’interprétation musicale. Les participant·e·s y découvriront aussi les bases du reggaeton, influencées par les cultures afro-caribéennes et urbaines latino-américaines, le dancehall et le hip-hop, qui ont façonné ce style dans le monde entier.

Au-delà de la chorégraphie, cet atelier offre un espace où se conjuguent autonomisation, liberté et esprit de communauté. Par le mouvement, les danseur·euse·s sont invité·e·s à affirmer leur individualité, à développer leur confiance et à célébrer leur authenticité dans un environnement inclusif et bienveillant.

Ce cours s’adresse à tout le monde, que vous découvriez le reggaeton ou souhaitiez approfondir vos compétences artistiques et scéniques. Les participant·e·s repartiront avec une chorégraphie, des outils d’entraînement et une meilleure compréhension des racines culturelles, de l’histoire et de la puissance émotionnelle de ce mouvement.

Préparez-vous à transpirer, à apprendre, à créer des liens et à vivre l’énergie du reggaeton au-delà des pas.

Professeure du Programme professionnel de ballet-études de l’École nationale de ballet du Canada (ÉNB). À titre de directrice du Programme de formation des professeurs et des programmes de danse communautaire, Ashleigh travaille en collaboration avec des partenaires des secteurs de l’éducation, des programmes communautaires et du sport afin d’offrir les avantages généralisés de la danse à tous les Canadiens et Canadiennes. Diplômée avec distinction du Programme de formation des professeurs de l’ÉNB, elle a reçu les prix Carole Chadwick et Betty Oliphant pour son enseignement. De plus, Ashleigh a beaucoup travaillé comme chorégraphe de théâtre. Elle est titulaire d’un baccalauréat spécialisé en histoire et sociologie de l’Université de Toronto. 

Coordonnatrice des relations avec les Autochtones à l’École nationale de ballet du Canada (ÉNB) dans le cadre des programmes de danse communautaire. Elle enseigne également le ballet et le jazz dans tous les programmes de l’école. Diplômée avec mention du Programme de formation des professeurs de l’École nationale de ballet du Canada, elle a reçu le prix Sylvia McPhee. Elle est titulaire de diplômes de professeure associée obtenus à l’Académie royale de danse, à la Société Cecchetti du Canada et à l’International Society for the Teachers of Dancing. Elle est titulaire d’un diplôme de premier cycle en histoire de l’Université York, d’un certificat en interprétation de la danse du Collège George Brown et termine actuellement sa maîtrise à temps partiel à l’Université Trent sur les effets de la colonisation sur la danse autochtone. Depuis 2010, elle se produit sur les scènes nationales et internationales comme danseuse et artiste de tissu aérien. Elle partage maintenant son amour de la danse avec des danseurs et danseuses de toutes les capacités et de tous les âges.